Nel panorama musicale del Settecento, Arianna a Nasso di Jiří Antonín Benda (1709-1786), su libretto di Johann Christian Brandes (1735-1799), rappresenta un raro e affascinante esempio di melologo, genere ibrido in cui parola e musica si intrecciano senza mai sfociare nel canto. Lontano dai fasti dell’opera italiana, questa forma teatrale dà voce all’interiorità dei personaggi affidando alla musica il compito di amplificare, contraddire o sostenere ogni sfumatura emotiva. Emblematica in tal senso è la testimonianza del giovane Mozart che, dopo aver assistito alla Medea dello stesso autore, il 12 novembre 1778, da Mannheim, scriveva al padre con entusiasmo:
«Niente mi ha mai sorpreso tanto! […] Sapete che non si canta, ma si declama – e che la musica è come un recitativo obbligato – talvolta si parla anche sulla musica, per cui si produce un effetto meraviglioso. Ciò che ho visto era Medea di Benda; egli ne ha composta un’altra, Ariadne auf Naxos; entrambe sono davvero eccellenti. […] le porto con me».

Composta nel 1775 e rappresentata per la prima volta a Gotha, Arianna a Nasso rilegge il celebre mito classico con una sensibilità nuova. Arianna, dopo aver aiutato Teseo a uccidere il Minotauro e a fuggire da Creta, approda con lui sull’isola di Nasso. L’eroe, combattuto tra riconoscenza e dovere, osserva la giovane dormiente, finché decide di partire in segreto. Il risveglio di Arianna, graduale e angoscioso, culmina nella scoperta dell’abbandono e nella disperazione. La trama è semplice, quasi immobile, ma carica di tensione psicologica. Tutto accade nel tempo del sentire.
La voce recitante guida l’ascoltatore all’interno dell’animo della protagonista, mentre l’orchestra evoca passioni e paesaggi interiori. Non è accompagnamento, ma un vero e proprio contrappunto emotivo, capace di dialogare con la parola e di amplificarne il senso. Benda compone una partitura essenziale ma intensa che anticipa lo Sturm und Drang e parla un linguaggio universale. La sua Arianna non è solo una figura mitologica, ma una donna abbandonata, ferita, viva, segnata da un dramma coinvolgente e umano.

Jiří Antonín Benda, violinista boemo e Konzertmeister alla corte di Gotha, fu tra i principali esponenti della riforma teatrale di area tedesca. Influenzato dalle teorie estetiche illuministe e dallo spirito preromantico, cercò nella musica una nuova via per esprimere le passioni, riducendo l’apparato decorativo e affidandosi alla forza della parola nuda. Il melologo diventa così un laboratorio drammatico, un’arte della misura in cui ogni nota e ogni pausa contribuiscono a scolpire l’emozione. In un festival dedicato alla ricchezza e varietà della musica barocca, Arianna a Nasso emerge come opera di transizione e rottura. Se il Barocco aveva teatralizzato l’emozione, Benda la interiorizza restituendoci un dramma essenziale, concentrato e potentissimo. Un teatro senza scena, ma che si svolge nel corpo stesso della voce e nei silenzi tra le parole. Un’esperienza d’ascolto che, ancora oggi, sorprende per la sua modernità e profondità emotiva.